Inhalt Byzantinische Kunst im 5.-7. Jahrhundert Byzantinische Kunst im 5.-7. Jahrhundert Byzantinische Kunst im 5.-7. Jahrhundert Byzantinische Kunst im 5.-7. Jahrhundert Mosaike in Ravenna Mosaike in Ravenna Mosaike in Ravenna Mosaike in Ravenna Nuovo Mosaike der Basilika von Sant'Apollinare Nuovo Mosaiken der Basilika Sant'Apollinare Nuovo Mauern der Kirche San Vitale Mauern der Kirche San Vitale Mauern der Kirche San Vitale Mauern der Kirche San Vitale Mosaiken der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa-Mosaiken der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa Mosaiken der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa Mosaiken der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa Nicäa-Mosaiken in der Kirche St. Demetrius in Thessaloniki Mosaiken in der Kirche St. Demetrius in Thessaloniki Mosaiken in der Kirche St. Demetrius in Thessaloniki Mosaiken in der Kirche St. Demetrius in Thessaloniki Fresken in der Kirche in Castelseprio Fresken in der Kirche in Castelseprio Fresken in der Kirche in Castelseprio Fresken in der Kirche in Castelseprio Byzantinische Kunst im 8.-12. Jahrhundert Ikonen byzantinische Kunst im 8.-12. Jahrhundert Ikonen byzantinische Kunst im 8.-12. Jahrhundert Ikonen byzantinische Kunst im 8.-12. Jahrhundert Ikonen Unsere Liebe Frau von Wladimir Unsere Liebe Frau von Wladimir Unsere Liebe Frau von Wladimir Unsere Liebe Frau von Wladimir Beweinung Christi Beweinung Christi Beweinung Christi Beweinung Christi

Byzantinische Kunst im 5.-7. Jahrhundert Die erhaltenen Denkmäler geben nur einen schwachen Eindruck von der Malerei dieser Zeit. Der Entstehungsprozess eines neuen mittelalterlichen Stils verlief in den verschiedenen Kunstzentren nicht ganz gleich. Mit dem Siegeszug des Christentums als Staatsreligion ist vor allem in der Hofkunst eine gewisse Wiederbelebung der antiken Tradition zu beobachten. Das Wesen der weltlichen Malerei ist vor allem aus schriftlichen Quellen bekannt. Bei jüngsten Ausgrabungen des „Großen Palastes“ in Konstantinopel wurden Bodenmosaike unterschiedlichen Inhalts entdeckt: Jagdszenen, Bilder von echten und fantastischen Tieren, auf Kamelen reitende Kinder, Musiker, Fischer, Hirtenfiguren und spielende Kinder. Alle diese Bilder sind voller Unmittelbarkeit und scharfer Beobachtung. Sie alle zeugen von der Stärke der alten Tradition in diesem Denkmal, das höchstwahrscheinlich aus dem 5. Jahrhundert stammt. Die erhaltenen Denkmäler geben nur einen schwachen Einblick in die Malerei dieser Zeit. Der Entstehungsprozess eines neuen mittelalterlichen Stils verlief in den verschiedenen Kunstzentren nicht ganz gleich. Mit dem Siegeszug des Christentums als Staatsreligion ist vor allem in der Hofkunst eine gewisse Wiederbelebung der antiken Tradition zu beobachten. Das Wesen der weltlichen Malerei ist vor allem aus schriftlichen Quellen bekannt. Bei jüngsten Ausgrabungen des „Großen Palastes“ in Konstantinopel wurden Bodenmosaike unterschiedlichen Inhalts entdeckt: Jagdszenen, Bilder von echten und fantastischen Tieren, auf Kamelen reitende Kinder, Musiker, Fischer, Hirtenfiguren und spielende Kinder. Alle diese Bilder sind voller Unmittelbarkeit und scharfer Beobachtung. Sie alle zeugen von der Stärke der alten Tradition in diesem Denkmal, das höchstwahrscheinlich aus dem 5. Jahrhundert stammt.

Mosaike von Ravenna Das umfassendste Bild der Natur frühbyzantinischer Wandgemälde und ihrer allmählichen Entwicklung lässt sich anhand der Denkmäler von Ravenna zeichnen. Die gebräuchlichste Technik für die Innenausstattung von Gebäuden waren Mosaike, die die Gewölbe und oberen Teile der Wände schmückten, während die unteren meist mit mehrfarbigen Steinplatten bedeckt waren, manchmal mit Intarsien oder Ornamentmalerei. Das umfassendste Bild der Natur frühbyzantinischer Wandmalereien und ihrer allmählichen Entwicklung lässt sich anhand der Denkmäler von Ravenna zeichnen. Die gebräuchlichste Technik für die Innenausstattung von Gebäuden waren Mosaike, die die Gewölbe und oberen Teile der Wände schmückten, während die unteren meist mit mehrfarbigen Steinplatten bedeckt waren, manchmal mit Intarsien oder Ornamentmalerei. Der Gute Hirte. Mosaik des Mausoleums der Galla Placidia in Ravenna. Mitte 5. Jh. In gleichwertigen Mosaiken des 5. Jahrhunderts gibt es beliebte Motive von Katakombengemälden: So zum Beispiel Christus der Gute Hirte im Grab der Galla Placidia, hier jedoch in sattem Purpur und Gold vor dem Hintergrund einer entwickelten Kirche präsentiert Landschaft.

Mosaike der Basilika Sant'Apollinare Nuovo Die zu einem Ensemble zusammengefasste Kulisse der Basilika ist in drei architektonisch miteinander verbundenen Ebenen angeordnet. Im untersten Rang ist in häufigem und eintönigem Rhythmus eine Prozession von Märtyrern und Märtyrern dargestellt. Die zu einem Ensemble zusammengefasste Kulisse der Basilika ist in drei architektonisch miteinander verbundenen Ebenen angeordnet. Im untersten Rang ist in häufigem und eintönigem Rhythmus eine Prozession von Märtyrern und Märtyrern dargestellt. Die Prozession führt von der Westwand zum Altar, wo sich Bilder von Christus und der Muttergottes befinden, die auf Thronen auf beiden Seiten der Basilika sitzen.

Die Mauern der Kirche San Vitale Solche Szenen zeugen vom Wunsch der Kirche, ihren Einfluss in der modernen Realität geltend zu machen. Andererseits nutzten die Kaiser selbst die Autorität der Kirche, um ihre Macht zu stärken. Interessant in diesem Zusammenhang sind zwei zeremonielle Kompositionen in der Hauptapsis. Eines davon zeigt Kaiser Justinian, das andere seine Frau Theodora, umgeben von einem Gefolge. Solche Szenen zeugen vom Wunsch der Kirche, ihren Einfluss in der modernen Realität geltend zu machen. Andererseits nutzten die Kaiser selbst die Autorität der Kirche, um ihre Macht zu stärken. Interessant in diesem Zusammenhang sind zwei zeremonielle Kompositionen in der Hauptapsis. Eines davon zeigt Kaiser Justinian, das andere seine Frau Theodora, umgeben von einem Gefolge. Die Wände der Kirche San Vitale sind mit gut erhaltenen dekorativen und erzählenden Mosaiken bedeckt, darunter eine Reihe biblischer Szenen. Von großem Interesse ist das Bild des jungen Christus, der auf einer Kugel sitzt, an deren Seiten nicht nur Engel, sondern auch echte historische Figuren platziert sind: St. Vitaly, der die Krone von Christus entgegennimmt, und Erzbischof Ecclesius, der ein Modell des Tempels darbringt. Junger Christus auf der Kugel. 6. Jh.

Mosaik in der Kirche San Vitale in Ravenna. 6. Jh. Kaiser Justinian mit Gefolge. Theodora mit Gefolge. Die Gesichter des Kaisers und der Kaiserin sowie der sie begleitenden hohen Würdenträger behalten noch immer die Züge eines Porträts von Nastya, während die Figuren alle frontal interpretiert und bewegungslos in einer Reihe vor dem Betrachter aufgereiht sind. Der Körper ist hinter den Falten der Kleidung nicht spürbar und die Lage der Falten und die Gesten der Figuren sind den linearen Rhythmen einer abstrakten Zeichnung untergeordnet. Die gleichen Merkmale der Steifheit und Abstraktion der Bilder, die charakteristische Askese der Gesichter und die flache Interpretation bewegungsloser Figuren kennzeichnen viele andere Ravenna-Mosaike des 6. Jahrhunderts.

Mosaik der Kirche Sant'Apollinare in Classe in Ravenna. 7. Jh. In den Mosaiken der Kirche Sant'Apollinare in Classe (St. Apollinaris im Hafen), die im 7. Jahrhundert teilweise neu angefertigt wurden, setzt sich die Entwicklung eines abstrakten Stils fort. In der Apsis befindet sich eine symbolische Komposition „Verklärung“, in der das Kreuz für Christus und die Schafe für die Apostel stehen. Biblische Szenen und monumentale Erzengelfiguren in Hofkleidung zeichnen sich durch einige Züge des Schematismus aus. Transformation.

Mosaike der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa In der kleinen Kuppelkirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa, die während des Krieges 1922 durch eine Granatenexplosion zerstört wurde, befanden sich Mosaike mit der Darstellung von vier Engeln. Mosaikforscher gehörten dem 6.-7. Jahrhundert an. Diese Mosaike werden in den Traditionen der antiken Malerei ausgeführt. Die Figuren der Engel und ihre Gesichter werden mit Hilfe von Smalt in verschiedenen Farben dargestellt. Helle malerische „Striche“ verschmelzen im Auge des Betrachters zu ausdrucksstarken plastischen Bildern. Das völlige Fehlen linearer Konturen, das für viele Mosaike der späteren Zeit charakteristisch ist, eine klar erkennbare sinnliche Interpretation und große Subtilität in der Übertragung von Bildern schöner junger Gesichter zeichnen die Mosaike von Nicäa aus. In der kleinen Kuppelkirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa, die 1922 durch eine Granatenexplosion im Krieg zerstört wurde, befanden sich Mosaike mit der Darstellung von vier Engeln. Mosaikforscher gehörten dem 6.-7. Jahrhundert an. Diese Mosaike werden in den Traditionen der antiken Malerei ausgeführt. Die Figuren der Engel und ihre Gesichter werden mit Hilfe von Smalt in verschiedenen Farben dargestellt. Helle malerische „Striche“ verschmelzen im Auge des Betrachters zu ausdrucksstarken plastischen Bildern. Das völlige Fehlen linearer Konturen, das für viele Mosaike der späteren Zeit charakteristisch ist, eine klar erkennbare sinnliche Interpretation und große Subtilität in der Übertragung von Bildern schöner junger Gesichter zeichnen die Mosaike von Nicäa aus. Ein Fragment des Mosaiks „Himmelskräfte“ in der Kirche Mariä Himmelfahrt in Nicäa.

Mosaike der St. Demetrius-Kirche in Thessaloniki Ein weiteres Zentrum, das eine Reihe früher Denkmäler bewahrt hat, ist Thessaloniki. Die Dekoration der Kirche stammt aus dem Anfang des 7. Jahrhunderts. Dieser Tempel wurde in Form einer Basilika erbaut. Seine Dekoration mit vielfarbigem Marmor und Mosaiken stellte ein reiches, spezifisch byzantinisches polychromes Ganzes dar. Besonders interessant waren die Szenen, die das Leben des Demetrius veranschaulichen. In den erhaltenen Porträtbildern der Tempelgründer zeigten sich ein subtiler Sinn für Farbe und eine gekonnte Übertragung einzelner Merkmale. Alle Bilder sind von hoher Qualität. Ein weiteres Zentrum, das eine Reihe früher Denkmäler bewahrt hat, ist Thessaloniki. Die Dekoration der Kirche stammt aus dem Anfang des 7. Jahrhunderts. Dieser Tempel wurde in Form einer Basilika erbaut. Seine Dekoration mit vielfarbigem Marmor und Mosaiken stellte ein reiches, spezifisch byzantinisches polychromes Ganzes dar. Besonders interessant waren die Szenen, die das Leben des Demetrius veranschaulichen. In den erhaltenen Porträtbildern der Tempelgründer zeigten sich ein subtiler Sinn für Farbe und eine gekonnte Übertragung einzelner Merkmale. Alle Bilder sind von hoher Qualität. Mosaik der Basilika St. Demetrius in Thessaloniki. Mitte 7. Jh.

Fresken in der Kirche von Castelseprio Antike Traditionen lassen sich auch in den Wandgemälden der Kirche Site Maria Antiqua in Rom und insbesondere in den kürzlich freigelegten Fresken der Kirche in Castelseprio nachweisen. Hier sind zahlreiche Szenen aus der Kindheit Christi erhalten geblieben, darunter die Geburt Christi, die Anbetung der Könige, Lichtmess und andere. Die freie Bewegung der Figuren, die breite Bildweise der Malerei, die transparente Farbgebung, die vielen Einzelmotive, die auf antike Vorbilder zurückgehen, verleihen den Gemälden von Castelseprio eine besondere Lebendigkeit, die mit den noch nicht ausgestorbenen Traditionen der Antike verbunden ist. Antike Traditionen lassen sich auch in den Wandgemälden der Kirche Site Maria Antiqua in Rom und insbesondere in den kürzlich freigelegten Fresken der Kirche in Castelseprio nachweisen. Hier sind zahlreiche Szenen aus der Kindheit Christi erhalten geblieben, darunter die Geburt Christi, die Anbetung der Könige, Lichtmess und andere. Die freie Bewegung der Figuren, die breite Bildweise der Malerei, die transparente Farbgebung, die vielen Einzelmotive, die auf antike Vorbilder zurückgehen, verleihen den Gemälden von Castelseprio eine besondere Lebendigkeit, die mit den noch nicht ausgestorbenen Traditionen der Antike verbunden ist. Geburt. Fresko in der Kirche von Castelseprio. Ende 7. Jh.

Byzantinische Kunst im 8.-12. Jahrhundert Ikonen Diese Periode der byzantinischen Kunst begann mit der Ikonenverehrung und im weitesten Sinne mit dem Triumph der anthropomorphen, klassischen Grundlagen aller Kulturen und endete mit einer nationalen Tragödie – der Niederlage von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer im Jahr 1204. Diese Periode der byzantinischen Kunst begann mit der Ikonenverehrung und im weiteren Sinne mit dem Triumph der anthropomorphen, klassischen Grundlagen aller Kultur und endete in einer nationalen Tragödie – der Niederlage der Kreuzfahrer von Konstantinopel im Jahr 1204 . Dies ist die Zeit der höchsten Blüte der byzantinischen Kunst, der größten Verfeinerung ihres Stils, ihres höchsten spirituellen Reichtums und der vollständigen Registrierung aller Zeichen des „Byzatinismus“. Dies ist auch die Zeit seiner weiten Verbreitung in allen Ländern der orthodoxen Welt und sogar in westeuropäischen Staaten. Dies ist die Zeit des höchsten Aufblühens der byzantinischen Kunst, der größten Verfeinerung ihres Stils, ihres höchsten spirituellen Reichtums und der vollständigen Ausbildung aller Zeichen des „Byzatinismus“. Dies ist auch die Zeit seiner weiten Verbreitung in allen Ländern der orthodoxen Welt und sogar in westeuropäischen Staaten.

Die seltene Feinheit der Ausführung, der Reichtum der Farben (alle Braun-, Gold- und Rottöne) zeugen von der Hand eines herausragenden Meisters der Konstantinopeler Schule. Vor allem aber fallen die außergewöhnliche Ausdruckskraft des traurigen Gesichts und die rührende mütterliche Zärtlichkeit auf, mit der Maria sich an das Baby klammerte. Das Gesicht der Muttergottes mit einem reinen Oval, einer dünnen Nase und großen mandelförmigen Augen ist von echtem menschlichem Leid durchdrungen. Es scheint unverständlich, wie es dem Künstler gelungen ist, einen solchen Eindruck zu erzielen, der äußerlich nicht über den Kanon Unserer Lieben Frau Eleus hinausgeht. Die seltene Feinheit der Ausführung, der Reichtum der Farben (alle Braun-, Gold- und Rottöne) zeugen von der Hand eines herausragenden Meisters der Konstantinopeler Schule. Vor allem aber fallen die außergewöhnliche Ausdruckskraft des traurigen Gesichts und die rührende mütterliche Zärtlichkeit auf, mit der Maria sich an das Baby klammerte. Das Gesicht der Muttergottes mit einem reinen Oval, einer dünnen Nase und großen mandelförmigen Augen ist von echtem menschlichem Leid durchdrungen. Es scheint unverständlich, wie es dem Künstler gelungen ist, einen solchen Eindruck zu erzielen, der äußerlich nicht über den Kanon Unserer Lieben Frau Eleus hinausgeht. Tiefe Trauer erfüllt das gesenkte Gesicht Mariens, dunkle Augen sind traurig, wie in fast allen Beispielen byzantinischer Kunst, aus der das menschliche Lächeln für immer verschwunden ist. Tiefe Trauer erfüllt das gesenkte Gesicht Mariens, dunkle Augen sind traurig, wie in fast allen Beispielen byzantinischer Kunst, aus der das menschliche Lächeln für immer verschwunden ist. Unsere Liebe Frau von Wladimir

Beweinung Christi Um die Figuren der Ikone unkörperlich aussehen zu lassen, haben byzantinische Meister sie flach gemacht. Gleichzeitig mussten Ikonenmaler den vielschichtigen Landschafts- oder Architekturhintergrund aufgeben. Anschließend wurde die Hintergrundebene mit Gold bedeckt, was in der christlichen Symbolik göttliches Licht bedeutete. Durch die schimmernde Vergoldung entstand der Eindruck von Immaterialität, dem Eintauchen der Figuren in eine Art mystischen Raum. Der goldene Glanz, der sich über die gesamte malerische Oberfläche ergoss, schloss jede andere Lichtquelle aus; Wenn sich auf der Ikone eine Sonne oder eine Kerze befand, hatte dies keinen Einfluss auf die Beleuchtung anderer Objekte, sodass byzantinische Maler kein Licht und Schatten verwendeten. Es entstand eine spezielle Technik, bei der nacheinander hellere Farbschichten übereinander aufgetragen werden, wobei der hellste Punkt unabhängig von seiner Lage der konvexste Punkt der Oberfläche ist. Auch die Farben selbst veränderten sich: Enkaustik wurde durch Tempera ersetzt. Um die Charaktere der Ikone unkörperlich aussehen zu lassen, haben byzantinische Meister sie flach gemacht. Gleichzeitig mussten Ikonenmaler den vielschichtigen Landschafts- oder Architekturhintergrund aufgeben. Anschließend wurde die Hintergrundebene mit Gold bedeckt, was in der christlichen Symbolik göttliches Licht bedeutete. Durch die schimmernde Vergoldung entstand der Eindruck von Immaterialität, dem Eintauchen der Figuren in eine Art mystischen Raum. Der goldene Glanz, der sich über die gesamte malerische Oberfläche ergoss, schloss jede andere Lichtquelle aus; Wenn sich auf der Ikone eine Sonne oder eine Kerze befand, hatte dies keinen Einfluss auf die Beleuchtung anderer Objekte, sodass byzantinische Maler kein Licht und Schatten verwendeten. Es entstand eine spezielle Technik, bei der nacheinander hellere Farbschichten übereinander aufgetragen werden, wobei der hellste Punkt unabhängig von seiner Lage der konvexste Punkt der Oberfläche ist. Auch die Farben selbst veränderten sich: Enkaustik wurde durch Tempera ersetzt.

„Tempel von Byzanz“ – EXEDRA (griechisch Exedra), in der antiken Architektur eine halbkreisförmige Nische mit Sitzgelegenheiten entlang der Wand für Besprechungen und Gespräche. Materialien für den MHC-Unterricht in der 10. Klasse. Kirche mit Kreuzkuppel. Byzanz. Apsiden gab es in antiken römischen Basiliken. Eine der Sehenswürdigkeiten des Gebäudes waren 36 Säulen, die an der Basis mit Reliefs fast in Menschenhöhe verziert waren.

„Mittelalterliche Architektur“ – Was ist der Schiefe Turm von Pisa? Das Innere der Kathedrale ist mit einer vergoldeten Decke und zahlreichen Marmorskulpturen geschmückt. Der Begriff wurde zunächst nur für die Architektur verwendet, später auch für andere Kunstformen. Dorfbewohner. Das berühmte Domensemble in Pisa ist ein Meisterwerk mittelalterlicher italienischer Architektur. Mittelalterliches Stadtleben.

„Romanische Kunst des Mittelalters“ – Die CD enthält mehr als 3000 Bilder, begleitet von Texten von A.V. Pozhidaeva. Die gewölbte Basilika wird zum formbestimmenden Faktor der romanischen Kunst. Einführung. Die Präsentation wurde von Schülern der 10. Klasse vorbereitet: Dolgikh Aleksey Khmarov Ivan. Die erste romanische Kunst. Vera“ (11. Jahrhundert): Bildende Kunst des Mittelalters im romanischen Stil.

„Edler Ritter“ – Das Leben der Ritter verlief in ständigen Feldzügen und Schlachten. „Mensch zu sein bedeutet, Patriot zu sein.“ Unterrichtsthemen: Ritterspeer. Lehrbuch: Thema 8.1, Fragen 1.2 S. 82. Ein solches Spektakel endete mit der Preisverleihung an den Gewinner. Das Bild des Heiligen Georg auf dem Wappen von Moskau. Das Erscheinungsbild des Reiters wurde auf den Münzen der Moskauer Fürsten geprägt.

„Kultur Byzanz“ – Architektur. Malerei. Kanon – strenge Regeln für die Darstellung und Platzierung biblischer Szenen. Kulturerbe von Byzanz. Wissen und Fähigkeiten testen

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Vortrag zum Thema:

Folie Nummer 1

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 2

Beschreibung der Folie:

Die erhaltenen Denkmäler geben nur einen schwachen Eindruck von der Malerei dieser Zeit (V-VII Jahrhundert). Das Wesen der weltlichen Malerei ist hauptsächlich aus schriftlichen Quellen bekannt. Bei den Ausgrabungen des „Großen Palastes“ in Konstantinopel wurden Bodenmosaike unterschiedlichen Inhalts entdeckt: Jagdszenen, Bilder von echten und fantastischen Tieren, auf Kamelen reitende Kinder, Musiker, Fischer, Hirtenfiguren und spielende Kinder. Alle diese Bilder sind voller Unmittelbarkeit und scharfer Beobachtung. Sie alle zeugen von der Stärke der antiken Tradition in diesem Denkmal, das höchstwahrscheinlich aus dem 5. (und nach Ansicht einiger Wissenschaftler sogar aus dem 6. Jahrhundert) stammt. Auch eine Reihe illustrierter Handschriften aus dem 5.-6. Jahrhundert lässt einen sehr starken Einfluss der antiken Malerei erkennen. Es handelt sich um die Miniaturen des in Wien aufbewahrten Manuskripts des ersten Buches der Bibel (das sogenannte „Wiener Buch Genesis“) aus der Zeit um 500; weltliche Miniaturen zum Inhalt des Manuskripts des Wiener „Dioskurides“ aus dem frühen 6. Jahrhundert sowie der in der Ambrosianischen Bibliothek in Mailand aufbewahrten „Ilias“, die offenbar aus Konstantinopel stammt, und einigen anderen.

Folie Nummer 3

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 4

Beschreibung der Folie:

Charakteristische Traditionen der Konstantinopeler Schule lassen sich auch in den Wandgemälden der Kirche Site Maria Antiqua in Rom (7.-frühes 8. Jahrhundert) und insbesondere in den freigelegten Fresken der Kirche in Castelseprio (6.-7. Jahrhundert) nachweisen von einigen Gelehrten auch auf das 9. Jahrhundert datiert) in der Nähe von Mailand. Hier sind zahlreiche Szenen aus der Kindheit Christi erhalten geblieben, darunter die Geburt Christi, die Anbetung der Könige, Lichtmess und andere. Die freie Bewegung der Figuren, die breite Bildweise der Malerei, die transparente Farbgebung, die vielen Einzelmotive, die auf antike Vorbilder zurückgehen, verleihen den Gemälden von Castelseprio eine besondere Lebendigkeit, die mit den noch nicht ausgestorbenen Traditionen der Antike verbunden ist.

Folie Nummer 5

Beschreibung der Folie:

Das umfassendste Bild der Natur der frühbyzantinischen Malerei und ihrer allmählichen Entwicklung lässt sich anhand der Denkmäler von Ravenna zeichnen, die jedoch einige Besonderheiten aufwiesen. Die gebräuchlichste Technik für die Innenausstattung von Gebäuden waren Mosaike, die die Gewölbe und oberen Teile der Wände schmückten, während die unteren meist mit mehrfarbigen Steinplatten bedeckt waren, manchmal mit Intarsien oder Ornamentmalerei. In den Ravenna-Mosaiken des 5. Jahrhunderts finden sich beliebte Motive der Katakombenmalereien: So zum Beispiel Christus der Gute Hirte im Grab der Galla Placidia.

Folie Nummer 6

Beschreibung der Folie:

Die Mosaiken der Kirche Sant'Apollinare Nuovo (St. Apollinaris der Neue, frühes und mittleres 6. Jahrhundert) zeigen Prozessionen heiliger Ehefrauen und Ehemänner. Über den Säulen platziert, wiederholen sie ihren Rhythmus und unterstreichen mit ihrer Bewegung die besondere Bedeutung des Altars, zu dem sie gehen. Die Gurke aus dem Leben und Leiden Christi (im oberen Teil des Tempels) weist ikonografische und stilistische Merkmale auf, die sich in der späteren mittelalterlichen Kunst entwickelten. Hier dominieren der goldene Hintergrund und die Frontalbilder. Kontrastierende Würfel aus leuchtenden Farben werden durch Rosa und Bräunlich ersetzt und es entsteht eine klare Kontur.

Folie Nummer 7

Beschreibung der Folie:

Der Prozess der Bildung einer reifen Feudalgesellschaft ging mit einer Verschärfung des Klassenkampfes einher, der sich in Form religiöser Bewegungen manifestierte: Bildersturm und Paulizianismus (im 8. und 9. Jahrhundert). Die Pawlikianer wandten sich gegen soziale Ungleichheit und forderten die Abschaffung der Kirchenhierarchie und der Ikonenverehrung. Der Bildersturm, der religiöse Bilder als Relikt des Götzendienstes ablehnte, hatte tiefe Wurzeln in der in den östlichen Regionen des Reiches vorherrschenden Ideologie. Wenn die Bilderstürmer viele Werke christlicher Kunst zerstörten, dann zerstörten die im 9. Jahrhundert siegreichen Bilderstürmer ihrerseits die Kunstdenkmäler ihrer Gegner. Ein interessantes Denkmal dieses Kreises, der aus dem klösterlichen Milieu von Eiferern der Ikonenverehrung hervorgegangen ist, ist der sogenannte Chludow-Psalter. Es enthält mehr als 200 Zeichnungen an den Rändern, die die Kompositionen darstellen, die dem Zeichner durch die Psalmen des Gesangbuchs vorgeschlagen wurden. Das Eindringen der Volksströmung in die Kunst der größten Zentren des Reiches im 9. Jahrhundert lässt sich am Beispiel der Mosaiken von St. Sophia in Thessaloniki: In der hier in der Kuppel erhaltenen Himmelfahrtsszene sowie im Bild der Muttergottes in der Apsis fallen die Rauheit der Ausführung, falsche Proportionen, kantige Falten und Wendungen auf, die mit der Ausdruckskraft verbunden sind einzelner Charaktere.

Folie Nummer 8

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 9

Beschreibung der Folie:

Während der Regierungszeit von Kaiser Leo VI., dem Weisen (886-912), erschien im Tympanon über den Haupttüren der Sophienkathedrale eine Komposition, die ihn auf dem Thron kniend vor dem Erlöser zeigt. Retter auf dem Thron mit fallendem Kobold. Leo VI. Mosaik der Hagia Sophia in Konstantinopel. 886 - 912

Folie Nummer 10

Beschreibung der Folie:

Der Bilderzyklus der makedonischen Zeit in der Sophienkathedrale wird durch ein Mosaik (1042) im Süden abgerundet. Galerie, die den Kobold präsentiert. Konstantin IX. Monomach und der letzte Vertreter der mazedonischen Dynastie, Kobold. Zoya bietet Christus Geschenke an. Der auf dem Thron sitzende Erlöser ist etwas höher dargestellt, auf beiden Seiten von ihm, nahe am Thron, stehen Zoya mit einer Schriftrolle und Konstantin Monomach mit einem Sack voll Gold in den Händen – ein Geschenk an die Sophienkathedrale, das der Kaiser platziert hat an Feiertagen auf dem Kirchenthron. Zunächst gab es Bilder von Kobolden. Zoe und ihre Koboldfrau. Michael IV. (1034-1041), der mit dem Kobold. Michael V., der Zoya vertrieb, die Gesichter wurden zerstört. Im Jahr 1042 kehrte die Kaiserin aus dem Exil zurück, heiratete erneut und stellte ihr Porträt wieder her, und das Gesicht des Kaisers erschien anstelle des Porträts ihres Mannes. Konstantin Monomach. Mit Steinen glänzende Lorate-Kleider bedecken wie ein massiver kostbarer Schild die Figuren, während die Gesichter betont voluminös mit hellem Smalt ausgekleidet sind. Die Gesichter von Konstantin und Zoya sind idealisiert und weisen einen bedingten Ausdruck von Männlichkeit bzw. Sanftmut auf.

Folie Nummer 11

Beschreibung der Folie:

Das Katholikon des Klosterwärters Osios Loukas in Phokis (30er Jahre des 11. Jahrhunderts) vermittelt den umfassendsten Überblick über das Bemalungsprogramm des Tempels der mazedonischen Zeit. Es ist einzigartig in Bezug auf die Vollständigkeit seiner Mosaikdekoration und ein klassisches Beispiel für das wohlproportionierte System, das als mittelbyzantinische Tempeldekoration bezeichnet wird. Die Wände des Tempels sind auf der gesamten Höhe (bis zur Höhe der fünf Gewölbe) mit Marmorverkleidungen verkleidet, dekorative Elemente (Paneele, Gesimse, bogenförmige Streifen) ordnen sich den Strukturgliederungen des Gebäudes zu, markieren Sockel und Höhe der Bögen und Gewölbe. Dies bringt Abwechslung, belebte Oberflächen und verleiht dem Innenraum gleichzeitig architektonische Integrität. Mosaike befinden sich in der oberen „himmlischen“ Zone des Tempels und bedecken die zylindrischen Gewölbe der Naos, die Oberflächen der Trompeten, die Gewölbe des Altars, der Galerien und auch in Nischen; Im Narthex sind die Wände und Gewölbe mit Mosaiken verziert.

Folie Nummer 12

Beschreibung der Folie:

In der Kuppel des Katholikons des Klosters Osios Lukas befindet sich in einem Medaillon ein Bild von Christus Pantokrator, umgeben von 4 Erzengeln; in den Wänden der Trommel - die Propheten. Die Kuppelmosaiken wurden im 19. Jahrhundert ersetzt. Freskomalerei. Die Bilder der Gottesmutter Oranta am Hang der Kuppel und des geflügelten Johannes des Täufers (Engel der Wüste) an der Westseite spiegeln die spätere ikonografische Tradition wider. In der Gewölbereihe sind Mosaike erhalten geblieben. In den Tromps gibt es Evangeliumsgeschichten - die Geburt Christi, die Darstellung Christi und die Taufe. Der Raum des Altars wird nicht nur architektonisch (durch eine Barriere), sondern auch durch das malerische Programm als besondere Sakralzone hervorgehoben. Auf dem Triumphbogen sind Bilder im Wachstum der Erzengel zu sehen; Das Kuppelgewölbe des Altars ist mit der kreisförmig eingravierten Komposition „Die Herabkunft des Heiligen Geistes“ geschmückt.

Folie Nummer 13

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 14

Beschreibung der Folie:

Im 11. und 12. Jahrhundert verstärkte sich der spiritistische Charakter der Kunst. Die Figuren verlieren ihre Körperlichkeit, sie werden außerhalb der realen Umgebung vor einem goldenen Hintergrund platziert. Die architektonische Landschaft oder Landschaft erhält einen bedingten Charakter. Die früher vorhandenen malerischen Elemente werden durch ein lineares Bild ersetzt. Auch die Farbgebung wird konventioneller. Konstantinopeler Handwerker arbeiteten nicht nur auf dem Territorium der Hauptstadt selbst. Davon zeugen die Mosaiken aus dem 11. Jahrhundert in der Kirche Mariä Himmelfahrt (heute zerstört) in Nicäa und der Kirche in Daphne (bei Athen). Kreuzigung. Mosaik der Klosterkirche Daphni bei Athen. Zweite Hälfte des 11. Jahrhunderts

Folie Nummer 15

Beschreibung der Folie:

Unter den Mosaiken von Daphne sind die Mosaikzyklen mit Szenen aus dem Leben Christi und der Muttergottes am bemerkenswertesten. Die Interpretation der Figuren, Posen, Gesten und Drapierungen der Kleidung zeugen von der Verwendung antiker Prototypen durch die Meister, aber die Verwendung ist kreativ und unterliegt dem Inhalt, den die Künstler in die von ihnen dargestellten Szenen einfließen ließen. Die tiefe Nachdenklichkeit der gesamten Komposition, die Prägnanz bei der Vermittlung der Handlung, die Zurückhaltung der Gesten und die Gründlichkeit bei der Auswahl der Details tragen dazu bei, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die inneren Eigenschaften der beteiligten Personen zu lenken. Die Zurückhaltung der Interpretation beeinträchtigt nicht die Vielfalt der kompositorischen Lösungen und die Charakterisierung der Charaktere. Raffinierte zeichnerische Beherrschung verbindet sich in diesen Mosaiken mit einem Reichtum an Farbnuancen und einer großen Bildkultur. All dies verleiht den Mosaiken von Daphne einen besonderen Charme und eine Schönheit, die allen Kunstwerken innewohnt.

Folie Nummer 16

Beschreibung der Folie:

Neben der Monumental-, Mosaik- und Freskenmalerei entwickelte die byzantinische Kunst des 10.-12. Jahrhunderts auch eine besondere Art der Staffeleimalerei – die Ikone. Die Rolle der Ikone nahm offenbar in der postikonoklastischen Zeit (9. Jahrhundert) erheblich zu. Allerdings ist die Zahl der uns überlieferten Denkmäler aus dieser Zeit sehr begrenzt. Die Technik der Ikonenmalerei mit Wachsfarben, die sogenannte „Enkaustik“, verschwand zu dieser Zeit nach und nach. Es herrscht Eitempera vor. Die ursprüngliche Kontur des Bildes wurde auf das Gesso aufgetragen, das dann mit dem Hauptton ausgefüllt wurde, über den Akzente gesetzt, gebräunt usw. wurden. Eines der herausragendsten Beispiele der Ikonenmalerei ist die Ikone von Gregor dem Wundertäter aus der Eremitage-Sammlung (12. Jahrhundert). Auf den ersten Blick wirkt es wie ein monumentales Mosaikbild, das sich vor einem goldschimmernden Hintergrund abhebt. Tiefe Spiritualität, ein zartes Faltenmuster der Kleidung, eine zurückhaltende Farbpalette und eine insgesamt hohe Verarbeitungsqualität geben Anlass für die Annäherung an das größte Kunstwerk dieser Art – die Ikone Unserer Lieben Frau von Wladimir in der Tretjakow-Galerie.

Folie Nummer 17

Beschreibung der Folie:

Die Kreuzzüge, die zur Eroberung Konstantinopels (1204) führten, spielten eine verheerende Rolle für das Schicksal des Byzantinischen Reiches. Die Kreuzfahrer plünderten die Hauptstadt und erbeuteten zahlreiche Kunstwerke. Griechische Künstler wanderten in verschiedene Länder West- und Osteuropas aus. Gleichzeitig war das Ergebnis der Kreuzzüge eine intensivere Durchdringung von Elementen der Kultur verschiedener Völker. In dieser Zeit entstanden auf dem Territorium des Reiches drei kleine Zentren, von denen Nicäa die größte politische und kulturelle Rolle spielte. Offenbar wurde hier das Interesse an der Antike bestimmt, die in manchen öffentlichen Kreisen als nationale Vergangenheit wahrgenommen wurde. Nach der Wiederherstellung des Reiches unter Michael Palaiologos (Eroberung Konstantinopels im Jahr 1261) beginnt in der Kunst, wie auch in anderen kulturellen Phänomenen, die Suche nach neuen Wegen, es entstehen einzelne Elemente einer Art Renaissance.

Folie Nummer 18

Beschreibung der Folie:

Die Zahl der uns überlieferten Ikonen des 14.-15. Jahrhunderts ist recht groß und nimmt im Zusammenhang mit der Befreiung aus späteren Schichten sukzessive zu. Seit dem Ende des 13. Jahrhunderts sind hier die gleichen Merkmale der sogenannten paläologischen Wiederbelebung zu beobachten. Raffinierte Proportionen sind charakteristisch für die ganzfigurige Darstellung von Christus dem Pantokrator aus der Hermitage-Sammlung. Auch hier kommt die beliebte Methode der Lücken mit scharfen Berührungen zum Einsatz. Ein herausragendes Beispiel der Malerei der ersten Hälfte des 14. Jahrhunderts ist die Ikone der 12 Apostel (Museum der Schönen Künste in Moskau): Die vorderen Figuren sind größer als die hinteren, sie sind in unterschiedlichen Drehungen dargestellt, als wären sie in einem Gespräch. Kleine spitze Falten der Kleidung werden frei interpretiert, Gesichter wirken durch den Einsatz dezenter Highlights voluminös. Die Stärkung des emotionalen Prinzips macht sich in der Ikone der Muttergottes mit dem Kind vom Typus der Zärtlichkeit (Eremitage) bemerkbar.

Folie Nummer 19

Beschreibung der Folie:

Die bekannte Ikone von Christus dem Pantokrator (Eremitage) stammt aus den 60er Jahren des 14. Jahrhunderts. Es ist besonders interessant aufgrund der Porträtbilder zweier byzantinischer Adliger, die teilweise an den Rändern erhalten sind – den Mitwirkenden dieser Ikone für das Kloster auf Athos, das Christus dem Pantokrator geweiht ist. Das Antlitz Christi ist mit scharfen Aussparungen modelliert. Seine intensivblaue Kleidung zeichnet sich durch eine besondere Farbenpracht aus. Der Gesichtstyp verliert seine frühere Strenge. Gegen Ende des 14. Jahrhunderts und insbesondere im 15. Jahrhundert verstärkte sich das grafische Prinzip auch in der Ikonenmalerei mit seiner charakteristischen Schattierung mit dünnen, parallelen Linien sowohl auf Gesichtern als auch auf Kleidung. Ein herausragendes Beispiel der Ikonenmalerei dieser Zeit ist die Ikone „Der Abstieg Christi in die Hölle“ (Hermitage, 15. Jahrhundert). Es fällt sowohl durch die Perfektion der Zeichnung und Komposition als auch durch den Reichtum der Farben auf. Die Szene entfaltet sich in mehreren Plänen, die raffinierten Figuren sind voller Anmut, die Kleider Christi sind mit goldenen Schattierungen verziert. Der sich hier abzeichnende Trend zum grafischen Design führte in der Folge zur Trockenheit der spätgriechischen Ikonen, die vor allem von Athos stammten.

Folie Nummer 20

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 21

Beschreibung der Folie:

In der letzten Zeit des Lebens von Byzanz erreichte die Buchminiatur selten ihr früheres künstlerisches Niveau. Dennoch ist anzumerken, dass in diesem durch kirchliche Verbote immer weniger eingeschränkten Bereich der Malerei bis zum Ende des 13. Jahrhunderts neue Tendenzen erkennbar sind. Neue Stilmerkmale spiegeln sich in der Volumenübertragung der Landschafts- und Perspektivelemente in der Architekturdarstellung, in der freien Bewegung der Figuren (Evangelium Nr. 54 der Pariser Nationalbibliothek). Zu dieser Zeit nahm auch die Rolle des Porträts zu (z. B. Nikita Acominatus in der Handschrift der Wiener Nationalbibliothek). Einzelne Merkmale kommen in den Denkmälern des 14.-15. Jahrhunderts deutlicher zum Ausdruck, insbesondere im Manuskript des Johannes Cantacuzenus (Nr. 1242 der Pariser Bibliothek).

Folie Nummer 22

Beschreibung der Folie:

Aus dieser Zeit sind eine Reihe weltlicher Manuskripte erhalten geblieben, die alte Muster wiedergeben, wie beispielsweise Oppian, Dioskurides und andere. Die malerische Art der Ausführung ist typisch für Miniaturen des frühen 14. Jahrhunderts. In ihnen nimmt wie in der Monumentalmalerei ein großer Platz ein komplexer architektonischer Hintergrund mit einem zwischen den Gebäuden geworfenen Velum (Vorhang) ein. Figuren werden manchmal sogar in übertriebener Bewegung wiedergegeben. Die Gesichter sind plastisch gefertigt. Doch selbst im Miniaturformat nimmt die Linearität bis zum Ende des 14. Jahrhunderts allmählich zu und führt schließlich zu getrockneten Formen: So im „Akathisten der Muttergottes“ (Staatliches Historisches Museum Nr. 429) aus dem 15. Jahrhundert Dieser Trend wird zu einer sichtbaren Verkörperung. Es gibt auch westliche Einflüsse.

Folie Nummer 23

Beschreibung der Folie:

Die bedeutendsten Veränderungen fanden Ende des 13. und Anfang des 14. Jahrhunderts auf dem Gebiet der Malerei statt. Eine wesentliche Bereicherung des Themas ergibt sich durch die Darstellung des Akathisten der Gottesmutter (Akathist – eine Hymne zu Ehren der Gottesmutter, geschrieben im 7 die Kirche, die Evangelien), verschiedene Hymnen und Gebete. Auch erzählerische Momente werden in einzelnen Szenen intensiviert: Komplexe architektonische Hintergründe (manchmal aus erhöhter oder erniedrigter Sicht dargestellt) und relativ entfaltete Landschaften werden vorgestellt. Die Komposition ist in mehreren Plänen aufgebaut. Früher bewegungslose, große Figuren, die meist im Vordergrund dargestellt werden, werden zu dieser Zeit leicht und nehmen längliche Proportionen an; sie werden oft in Interaktion dargestellt, manchmal in ruckartiger Bewegung. Zu dieser Zeit sind Porträts häufiger anzutreffen. Der Stil dieser Zeit ist geprägt von der Zunahme bildnerischer Elemente, der Verkomplizierung der Farbpalette durch die Verwendung von Übergangstönen.

Folie Nummer 24

Beschreibung der Folie:

Den auffälligsten Ausdruck fanden die neuen Tendenzen in den Mosaiken und Fresken des Hora-Klosters (Kahrie-Jami) in Konstantinopel (erstes Jahrzehnt des 14. Jahrhunderts). Die Mosaikdekoration des Tempels, die in zwei Vorhallen aufbewahrt wird, ist mit dem Namen von Theodore Metochites verbunden, dem allmächtigen Logotheten von Kaiser Andronicus II. Palaiologos. (Logophet ist ein hoher Gerichtstitel in Byzanz.) Im Tempel befindet sich ein Mosaikporträt dieser prominenten politischen Persönlichkeit, Wissenschaftlerin und Schriftstellerin, die den Tempel Christus opfert. Er selbst beschrieb die Pracht des von ihm restaurierten Tempels und den Reichtum seines Palastes, in dem wundervolle antike Denkmäler versammelt waren.

Folie Nummer 25

Beschreibung der Folie:

Der Hauptinhalt der uns überlieferten Mosaike sind Szenen aus dem Leben Christi und vom Akathisten bis zur Gottesmutter. Gerade die Tatsache, dass ein entwickelter Zyklus im Zusammenhang mit dem Kult der Muttergottes geschaffen wurde, ist charakteristisch für neue Tendenzen in der Kunst. Die Mosaizisten reproduzierten die apokryphe Geschichte detailliert und fügten Lebensdetails in einzelne Szenen ein. Dies ist zum Beispiel „Verkündigung an Anna“ mit seinen Landschaftselementen, einem echten Bild eines Brunnens oder „Heilung verschiedener Krankheiten“. Eine gesteigerte Emotionalität ist in der Himmelfahrt der Muttergottes, im Massaker der Unschuldigen oder in der Klage der Mütter von Bethlehem zu spüren. In vielen Szenen kommt dem architektonischen Hintergrund, den bizarren Gebäuden, die entweder aus erhöhter oder erniedrigter Sicht dargestellt werden, eine besondere Bedeutung zu. Sie sind volumetrisch in organischer Einheit mit den Figuren dargestellt und manchmal in mehreren Ebenen angeordnet. Als charakteristisches Merkmal der Kahrie-Jami-Mosaiken stellen Forscher den feinsten kompositorischen Rhythmus fest, der einzelne Szenen vereint. Der Farbenreichtum und das Farbenspiel verleihen diesem wundervollen Denkmal einen besonderen Charme.

Folie Nummer 26

Beschreibung der Folie:

In den Wandgemälden der Metropole (Anfang des 14. Jahrhunderts) koexistieren ein konservativer Stil (in den Wandgemälden des Haupt- und Nordschiffs) und ein fortgeschrittener Stil mit Elementen des Realismus im Süden. So erhalten in der Szene „Die Auferstehung der Tochter des Jairus“, die vor dem Hintergrund eines zurückgesetzten Gebäudes wie perspektivisch dargestellt wird, belebte Menschengruppen jene Züge eines Volkstypus, die zuvor äußerst selten waren. In der vielfigurigen Komposition des Jüngsten Gerichts sind die Gesichter der Apostel individualisiert, die impulsiven Engelsfiguren voller Bewegung; Naive Unmittelbarkeit geht von den Teufelsfiguren aus, die vor dem Hintergrund einer Flamme präsentiert werden. Die Farbgebung basiert auf der Gegenüberstellung von Komplementärfarben; Scharfe Lücken, die sich vom dunklen Hintergrund abheben, erzeugen den Eindruck von Volumen.

Folie Nummer 27

Beschreibung der Folie:

In den Wandgemälden von Peribleptos (Anfang des 15. Jahrhunderts) sind komplexe Kompositionen voller Ausdruck und ungestümer Bewegung. So sind in der Geburt Christi, die vor dem Hintergrund einer entwickelten Landschaft präsentiert wird, die Figuren der Muttergottes und einer Gruppe von Engeln, die sich zwischen den Felsen befinden, zutiefst ausdrucksstark. Besonders eindringlich ist die Darstellung der göttlichen Liturgie. In den späteren Gemälden von Mistra, insbesondere in Pantanassus (30.–40. Jahrhundert des 15. Jahrhunderts), wird jedoch eine Abkehr von humanistischen Bestrebungen skizziert. Jene neue Welle des Spiritualismus, die ab Ende des 14. Jahrhunderts in verschiedenen Bereichen der Weltanschauung zu beobachten war, erfasste auch die Kunst – in der Malerei ging sie mit einer Zunahme des linearen, grafischen Prinzips einher. Zu dieser Zeit weicht die einstige Prägnanz der byzantinischen Kunst einer komplexen Geschichte; Die kompositorische Verbindung mit der Struktur des Gebäudes wird unterbrochen. Mehrstufige Wandgemälde lösen sich in geschlossene Szenen auf, die an Ikonen erinnern.

Architektur und Malerei von Byzanz Byzanz ist ein Staat, der im 4. Jahrhundert entstand. während des Zusammenbruchs des Römischen Reiches in seinem östlichen Teil (Oströmisches Reich) und existierte bis zur Mitte des 15. Jahrhunderts. Das Territorium des Reiches, das hauptsächlich im Südosten der Balkanhalbinsel und in Kleinasien lag, veränderte sich mehrmals. Im Gegensatz zu anderen Staaten Europas war Byzanz von der großen Völkerwanderung im 4.-7. Jahrhundert weniger betroffen. und vermied die katastrophale Zerstörung, die das Weströmische Reich ereilte. Daher blieben die Traditionen der Antike in der byzantinischen Kunst lange Zeit erhalten, insbesondere da die ersten Jahrhunderte ihrer Entwicklung unter den Bedingungen des späten Sklavenstaates stattfanden. Der Übergang zur mittelalterlichen Kultur zog sich hier lange hin. Die Merkmale der byzantinischen Kunst wurden im 6. Jahrhundert klar definiert.

Architektur Am Ende des 4. Jahrhunderts, nach der Teilung des Römischen Reiches und der Verlegung seiner Residenz durch Kaiser Konstantin in das griechische Byzanz, geht die führende Rolle im politischen, wirtschaftlichen und gesellschaftlichen Leben auf den östlichen Teil über. Ab dieser Zeit beginnt die Ära des byzantinischen Staates, dessen Zentrum seine neue Hauptstadt Konstantinopel war. Die Geschichte der byzantinischen Architektur ist in drei Perioden unterteilt: Frühbyzantinisch (V.-VIII. Jahrhundert), Mittelbyzantinisch (VIII.-XIII. Jahrhundert) und Spätbyzantinisch (XIII.-XV. Jahrhundert). Die Zeit des höchsten Wohlstands war die erste Periode, insbesondere während der Herrschaft Justinians (20.–60. Jahrhundert des 6. Jahrhunderts), als Byzanz zu einem mächtigen Staat wurde, der neben Griechenland und Kleinasien auch die Völker des Westens eroberte Asien, das südliche Mittelmeer, Italien und die Adria.

Der wichtigste Beitrag von Byzanz zur Geschichte der Weltarchitektur ist die Entwicklung der Kuppelkompositionen von Tempeln, die sich in der Entstehung neuer Arten von Bauwerken ausdrückt – der Kuppelbasilika, der zentrischen Kirche mit einer Kuppel auf acht Säulen und der Kreuzkuppel System. Die Entwicklung der ersten beiden Typen fällt in die frühbyzantinische Zeit. Das Tempelsystem mit Kreuzkuppeln verbreitete sich in der Zeit der mittelbyzantinischen Architektur. Auch die Bildung von Klöstern als besondere Art architektonischer Komplexe gehört zur byzantinischen Zeit. Am eigentümlichsten sind die Klöster außerhalb der Stadt, bei denen es sich in der Regel um befestigte, von Mauern umgebene Siedlungen handelt, in denen neben den Wohn- und Nebengebäuden der Mönche ein riesiges Refektorium und das dominierende Gebäude – die Kirche – errichtet wurden. Gebäude und Befestigungsanlagen, meist asymmetrisch auf einer Anhöhe gelegen, waren harmonisch aufeinander abgestimmte Raumkompositionen – Ensembles.

Die bedeutendste konstruktive Errungenschaft der byzantinischen Architektur ist die Entwicklung eines Systems zur Stützung der Kuppel auf vier separaten Säulen mithilfe eines Segelgewölbes. Die Kuppel ruhte zunächst direkt auf den Segel- und Gurtbögen; Später begannen sie, zwischen der Kuppel und der Tragkonstruktion ein zylindrisches Volumen anzuordnen – eine Trommel, in deren Wänden Öffnungen zur Beleuchtung des Raums unter der Kuppel gelassen wurden. Die Architektur von Byzanz hat von Rom ihre Errungenschaften auf dem Gebiet der Bogen- und Gewölbekonstruktionen geerbt. Allerdings wurde die konkrete Technik in Byzanz nicht akzeptiert; Die Mauern bestanden meist aus Ziegeln oder behauenen Steinen. Neben Kuppeln und Tonnengewölben waren Kreuzgewölbe weit verbreitet. Beim Aufstellen der Kuppel auf einem quadratischen Sockel wurde oft eine orientalische Technik verwendet – Tromps.

Malerei Die Geschichte der byzantinischen Malerei kann derzeit kaum geschrieben werden. Der einzige verlässliche Beweis für Kunst sind ihre Denkmäler. All dies sind die Überreste einer zerstörten tausendjährigen Welt, ihre verstreuten Spuren, verschont von der Zeit und dem historischen Schicksal mit all der skurrilen Auswahl und Nachbarschaft, die die zerstörerischen Kräfte der Zeit und des Lebens ihren Weg markieren. Mittlerweile kennen wir, und auch dann nur in einer bei weitem nicht vollständigen Form, eine Liste jener uns verlorenen Bild- oder Mosaikzyklen von Konstantinopel, die zweifellos von entscheidender Bedeutung für die gesamte Geschichte der byzantinischen Kunst waren.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit! Die Arbeit wurde von Makovkina Anna, einer Schülerin der 6. Klasse „A“, durchgeführt

Perioden der Geschichte der byzantinischen Kunst und ihre Merkmale Frühchristliche Periode (die sogenannte vorbyzantinische Kultur, I-III Jahrhundert) Frühchristliche Periode (die sogenannte vorbyzantinische Kultur, I-III Jahrhundert) III Jahrhundert III Jahrhundert frühbyzantinische Zeit, das „goldene Zeitalter“ von Kaiser Justinian I., die Architektur der Sophia-Kirche in Konstantinopel und die Ravenna-Mosaiken (VI.-VII. Jahrhundert) frühbyzantinische Zeit, das „goldene Zeitalter“ von Kaiser Justinian I., die Architektur der Kirche der Hagia Sophia in Konstantinopel und die Ravenna-Mosaiken (VI.-VII. Jahrhundert, frühes 9. Jahrhundert). Kaiser Leo III. der Isaurier (717741), Gründer der Isaurier-Dynastie, erließ ein Edikt zum Verbot von Ikonen. Diese Periode wurde größtenteils in Analogie zu einer ähnlichen Phase in der Entwicklung Westeuropas als „dunkle Zeit“ bezeichnet. ikonoklastische Zeit (VIII-Anfang IX Jahrhundert). Kaiser Leo III. der Isaurier (717741), Gründer der Isaurier-Dynastie, erließ ein Edikt zum Verbot von Ikonen. Diese Periode wurde größtenteils in Analogie zu einer ähnlichen Phase in der Entwicklung Westeuropas als „dunkle Zeit“ bezeichnet. Leo III. Isaurus 717741 Westeuropa Leo III. Isaurier 717741 Westeuropa während der mazedonischen Renaissance () Sie gilt als die klassische Periode von Byzantinische Kunst. Das 11. Jahrhundert war der Höhepunkt des Wohlstands. Informationen über die Welt wurden der Bibel und den Werken antiker Autoren entnommen. Die Harmonie der Kunst wurde durch strenge Regulierung erreicht. Periode der mazedonischen Renaissance () Sie gilt als die klassische Periode der byzantinischen Kunst. Das 11. Jahrhundert war der Höhepunkt des Wohlstands. Informationen über die Welt wurden der Bibel und den Werken antiker Autoren entnommen. Die Harmonie der Kunst wurde durch die strenge Regulierung des 11. Jahrhunderts der Bibel, des 11. Jahrhunderts der Bibel, der Zeit des Konservantismus unter den Kaisern der Komnenos-Dynastie () der Zeit des Konservantismus unter den Kaisern der Komnenos-Dynastie erreicht () Komnenos, die Zeit der paläologischen Renaissance, die Wiederbelebung hellenistischer Traditionen (). die Zeit der paläologischen Renaissance, die Wiederbelebung hellenistischer Traditionen (). Paleologovsky Paleologovsky

Pala d'Oro, Cloisonne-Emaille aus dem 22. Jahrhundert. 334 × 251 cm Markusdom, Venedig XXIIMarkusdomVenedigXXIIMarkusdomVenedig